Abstraccionnismo – Notas leídas

Abstraccionismo es una representación sin referencia a objetos concretos o ejemplos específicos

Expresionismo abstracto

Surgiendo en la década de 1940 en Nueva York y floreciendo en la década de 1950, Expresionismo abstracto fue considerado por muchos como la edad de oro del arte estadounidense.

El movimiento estuvo marcado por el uso del pincel y la textura, la bienvenida al azar y los lienzos a menudo enormes, todos utilizados para transmitir emociones fuertes a través de la glorificación del acto mismo de pintar.

Abstraccionnismo – Periodo

la arte abstracto es la exclusión de todo tipo de formas, estructuras destinadas a definir objetos, perspectivas y escalas.

Los pintores y otros artistas de este período rechazaron los nombres de formas específicas, aprobados durante años. Reemplazaron las líneas con la ubicación y la vertical con el nivel.

El abstraccionismo nació de ciertos campos ya conocidos en el arte: cubismo, futurismo, expresionismo y tendencias muy similares. Los mayores representantes de la abstracción comenzaron como los creadores de estas tres direcciones.

Abstraccionismo La pintura se originó en Rusia a principios del siglo XX. El precursor de la abstracción en la pintura fue Wassily Kandinsky.

Abstraccionnismo – Artes plásticas

la abstraccionismo fue un movimiento artístico que surgió a principios del siglo XX en Alemania, rompiendo con la tradición de las escuelas renacentistas y abandonando la representación de la realidad. No les importaban los números ni los temas, pero elogiaban los colores y las formas.

El abstraccionismo se identifica con dos líneas de creación: abstracción informal y abstracción geométrica.

Abstracción informal: Sigue la creación de formas más libres y expresa sentimientos, emociones. El artista crea formas pintando libremente, y las líneas y los colores expresan sus emociones. Entonces, se pueden ver manchas y gráficos en estas obras de arte. El pionero de esta expresión artística fue el ruso Vassili Kandínski (1866-1944).

Mencionemos que la abstracción informal ha generado otros movimientos artísticos como: expresionismo abstracto, en Estados Unidos, y abstracción gestual, en Europa y América Latina.

Abstracción geométrica: Siga una técnica más dura, sin expresión de sentimientos o ideas. El artista simplemente explora las formas geométricas, abandonando la transmisión de pensamientos y sentimientos. En la abstracción geométrica, los méritos del pionero deben ser compartidos entre el ruso Malevich (1878-1935) y el holandés Piet Mondrian (1872-1944).

Es importante señalar que la obra del ruso Malevich generó un movimiento derivado de la abstracción, llamado suprematismo (autonomía de forma). Lo más destacado es la pantalla Black Square sobre un fondo blanco.

En cuanto al artista holandés Mondrian, se dedicó a los lienzos solo con líneas horizontales y verticales, ángulos rectos y los colores amarillo, azul y rojo, además de blanco y negro. El trabajo de Mondrian influyó directamente en el arte funcional desarrollado por la Bauhaus. El constructivismo, el concretismo y, más recientemente, el minimalismo han surgido de la abstracción geométrica.

ESCULTURA

Los escultores abstractos utilizan la naturaleza no como tema, sino como fuente de ideas. La naturaleza es el punto de partida de tu creatividad; el resultado final la mayor parte del tiempo no se parece en nada al original. Lo que importa en tu trabajo son las formas y colores, el volumen y el trabajo de textura.

Los artistas abstractos utilizan conceptos matemáticos en sus esculturas, como Helaman Ferguson, quien descubrió una similitud entre las matemáticas y el arte.

Abstraccionnismo – Movimiento

Abstraccionista El movimiento comenzó a predominar en la época contemporánea a partir del momento en que el artista ya no se refiere a objetos concretos, como retratos, marinas, flores, relaciones históricas, literarias o mitológicas.

Esto sucedió principalmente porque con la invención de la cámara el arte se volvió hacia la expresión desde adentro. Los artistas ya no se preocupan por la representación del tema, ya que el valor está en la relación entre formas y colores.

la arte abstracto trabaja con luz y sombra, ritmo, color, armonía, equilibrio, línea, punto y formas geométricas. Los especialistas en arte generalmente consideran al pintor ruso Vassily Kandinsky (1866-1944) como el iniciador de pintura abstracta .

El abstraccionismo, convirtiéndose en un movimiento más diverso, se apoyó en dos corrientes:

Abstraccionismo informal

Predominio de sentimientos y emociones.
Las formas y los colores se crean más libremente sugiriendo asociaciones con los elementos de la naturaleza.

Abstracción geométrica: las formas y los colores están compuestos de tal manera que son solo la expresión de un diseño geométrico.


Abstractismo geométrico

En las dos tendencias fundamentales, el abstraccionismo tiene subtendencias. En el sector informal, los más importantes son el taquismo y la gráfica; en geometría, neoplasticismo o concretismo.

En pintura destacan los siguientes: Francis Picabia, Paul Klee, Piet Mondrian, Malevick y Marcel Duchamp. En Brasil, el abstraccionismo fue instalado hacia 1947 con los pintores Antonio Bandeira y Milton Dacosta.

Abstractismo informal

Las formas y los colores se crean de forma impulsiva, en el libre fluir de la emoción, con un predominio absoluto del sentimiento. En contacto con la realidad o la naturaleza, el pintor abstracto informal expresa una emoción en lugar de representar una imagen creada o compuesta intelectualmente.

Muchos resúmenes, de hecho, pintar abstractamente en frente a la naturaleza. Simplemente evitan imitar, copiar, describir aspectos de la naturaleza. Por el contrario, buscan sugerir, evocar, aludir, establecer impresiones generales o particulares de los ritmos de la naturaleza.

Para algunos autores, el informal abstraccionismo sería una revuelta de la mente contra la precisión mecánica de la vida moderna, contra el culto al racionalismo y la corrección de la civilización industrial. Sería una especie de romanticismo moderno.

Algunos abstractos puros entienden que aunque no partiendo ni inspirándose en la naturaleza, el artista puede encontrarla, expresando y comunicando ritmos de vitalidad. En defensa del abstraccionismo informal, también se afirma que la imagen figurativa reproduce el mundo exterior; la pintura abstracta, el mundo interior del artista: las líneas y los colores adquieren virtudes poéticas, verdaderamente musicales, porque no representan las cualidades materiales de la realidad física, sino las realidades del mundo psíquico del artista.

Cuando adquiere rasgos luminosos, obtenidos por tonos delicados y de hadas, informal el abstraccionismo es llamada “abstracción lírica”; cuando, en cambio, el sentimiento se exaspera y dramatiza, con tonos cargados, intensos y violentos, se habla de “abstraccionismo expresionista”.

Los mejores ejemplos de informal abstraccionismo se encuentran en gran parte en las obras del propio Kandinsky, que más tarde tendría una fase geométrica.

El movimiento abstraccionista pasó a predominar en la época contemporánea a partir del momento en que el artista ya no se refiere a objetos concretos, como retratos, marinas, flores, relaciones históricas, literarias o mitológicas.

Esto sucedió principalmente porque con la invención de la cámara el arte se volvió hacia la expresión desde adentro. Los artistas ya no se preocupan por la representación del tema, ya que el valor está en la relación entre formas y colores.

la arte abstracto trabaja con luz y sombra, ritmo, color, armonía, equilibrio, línea, punto y formas geométricas. Los especialistas en arte consideran generalmente el pintor ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) como iniciador de la pintura abstracta.

Abstraccionnismo – Historia

A diferencia de la historia de la abstracción geométrica, la de la abstracción informal o lírica en Brasil es mucho más simple y no se basó en grupos organizados o choques teóricos.

La mayor influencia en su desarrollo ha sido la Bienal de São Paulo, que, desde sus inicios en 1951, y especialmente a lo largo de la década de 1960, ha mostrado las obras de pintores taquistas, informales y gestuales cuyas carreras culminaron en lo internacional. Pero incluso antes de la Bienal hubo, en rigor, dos pioneros, Cícero Dias y Antônio Bandeira, que a finales de los años cuarenta vivieron en Europa y llegaron a Brasil.

Dentro de la etiqueta de abstracción informal, también está el expresionismo abstracto, que denota un arte más vigoroso, gestual y dramático, cuya culminación es la pintura de acción del artista estadounidense Jackson. Pollock (1912-1956).

En Brasil, nunca se ha llegado a tal extremo. El más gestual y dramático de nuestros abstraccionistas fue el pintor Iberê Camargo. Además, el gesto -sobre todo un gesto elegante, con un claro carácter caligráfico- aparece en la pintura de artistas llamados japoneses-brasileños, porque nacieron en Japón, emigraron a Brasil, pero trajeron de su país de origen una tradición de arte abstracto , que se desarrolló aquí.

El primer japonés-brasileño en ganar, a fines de la década de 1950, fue Manabu Mabe (1924-1997), un ex agricultor que emigró a la edad de diez años.

La pintura de Mabe es grandilocuente y ornamental, y es mejor conocido por los japoneses-brasileños en el extranjero. Además de Mabe, destacaron Tikashi Fukushima (1920), Kazuo Wakabaiashy (1931), Tomie Ohtake (1913) y Flávio Shiró (1928).

Los dos últimos son casos especiales. Tomie nunca fue exactamente una pintora informal, aunque al principio no utilizó formas geométricas; los adoptó, sin embargo, a partir de los años 70. Flávio Shiró hizo una síntesis muy original y muy dramática entre la abstracción gestual y la figuración, y hay fases en las que predomina una u otra.

Otros pintores abstractos informales importantes y de calidad que vale la pena mencionar: Henrique Boese (1897-1982), nacido en Alemania; Yolanda Mohályi (1909-1978), nacida en Hungría; Mira Schendel (1918-1989), nacida en Suiza; Wega Nery (1912); Loio Pérsio (1927); Maria Leontina (1917-1984) y Ana Bella Geiger (1933), todas nacidas en Brasil.

Muy importante, en la letra abstraccionismo en Brasil, es también el papel de la estampa, que se convierte en más que una técnica de multiplicación de imágenes y alcanza el estatus de lenguaje. Maestros de la lírica grabado abstracto se convierte en Fayga Ostrower (1920), Artur Luís Piza (1928), Rossini Pérez (1932), Anna Bella Geiger (1933) -antes de pasar a la pintura- y Maria Bonomi (1935).

Varios de los artistas mencionados todavía están activos. Por otro lado, artistas muy jóvenes hoy producen una pintura que oscila entre una figuración sólo sugerida, y una abstracción informal, por el vigor y la cantidad del material pictórico, la presencia llamativa del gesto y el impulso expresivo.

Abstraccionnismo – Abstracción

En general, abstracción Se entiende como cualquier actitud mental que se desvía o prescinde del mundo objetivo y sus múltiples aspectos. Se refiere, por extensión, con respecto a la obra de arte y el proceso creativo, sus motivaciones y sus orígenes, a cualquier forma de expresión que se desvíe de la imagen figurativa.

Max Perlingeiro, en “La abstracción como lenguaje: perfil de una colección ”Editora Pinakotheke. SP

En el contexto del arte moderno, el éxito del llamado arte abstracto ha sido tan grande que la conceptualización del mismo comenzó a hacerse varias veces de forma apresurada, sin prestar especial atención al significado legítimo de “Abstracción”. Este concepto se refiere a la operación de abstracción, que significa, en principio, remover, separar o eliminar ciertas características o elementos de un todo originalmente integrado. Gracias a la operación abstracta, es posible realizar la selección de algunos aspectos similares, para que la atención pueda centrarse mejor en ellos.


Obra figurativa: Nombre: Mujer con jarra de agua Autor: Johannes Vermeer Fecha: 1660
Colección Colección Marquand del Museo Metropolitano de Arte – NY

Utilizando un simbolismo algo simplista, pero con un efecto claro y con fines didácticos, podemos comparar la obra figurativa a una canción con versos. Al escuchar la interpretación del cantante, entendemos fácilmente lo que el compositor quiere decirnos. La obra abstracta, a su vez, se puede comparar a una melodía sin verso. Y le toca al oyente dejarse llevar por la música y sentir, casi sin indicación explícita, la propuesta del compositor.

Sin embargo, para entender el arte abstracto en su complejidad, se recomienda ampliar el repertorio de conocimientos sobre Arte, visitando exposiciones, leyendo, viendo y, sobre todo, visitando Historia.

La pintura en la práctica artística, hasta mediados del siglo XVIII, siguió reglas estrictas en las soluciones e inquietudes de los artistas con la figura.

Tanto es así que las academias enseñaron que había cuatro temas a desarrollar en la pintura: naturaleza muerta, retrato, paisaje y paisaje marino, y un tema llamado alegoría o pintura alegórica.

En la naturaleza muerta, los objetos o figuras se presentan en un ambiente interior alejado de la naturaleza. Los seres vivos están representados, pero se sabe que son inanimados (de ahí el término naturaleza muerta, traducido del francés, que recibió el nombre de naturaleza muerta en inglés). Flores y frutas, incluso frescas y exuberantes, aparecen en el lienzo descansando sobre superficies o colocadas cuidadosamente en macetas o jarrones de diferentes materiales.


obra figurativa: Nombre Flores y dulces Autor: Pedro Alexandrino Fecha: 1900 Colección: Pinacoteca do Estado de SP

Animales de caza y pesca esperando al cocinero. Los panes, cuchillos y cestas aparecen en un mapa calculado simplificado.

El retrato, casi siempre, colocaba al personaje en posturas estudiadas, con luces y sombras perfectamente controladas y, según la mayor o menor habilidad y sensibilidad del artista, la personalidad del sujeto podía emerger en los rasgos y la postura. modelo.

Los paisajes son quizás las obras figurativas más populares antes de la aparición de las reglas académicas y después de su declive. El paisaje coloca a las personas en diferentes lugares de su vida cotidiana, y la nostalgia que transmite el ser-no-ser siempre emociona.

Lo mismo puede decirse de las marinas: ríos o mares agitados; las plácidas arenas de una playa tranquila; azul cielo o nieblas espesas; el resplandor y la oscuridad de las aguas profundas.

La pintura alegórica se vincula al conocimiento, a los signos, y cuenta, a través de los símbolos, los pasajes, momentos o políticas vinculados más directamente al tiempo y espacio en el que se desarrolla. Provoca sentimientos y sensaciones, pero requiere aprendizaje.


Obra abstracta Título Estaleiro Velrôme Autor: Lucio Pegoraro Fecha: 1986 Colección del autor

Por tanto, todas estas sensaciones son muy claras en las obras figurativas clásicas.

Y la pregunta que surge es: ¿Cómo y por qué los artistas abandonaron estas propuestas estéticas, tan apreciadas, ya introyectadas en el inconsciente e inmediatamente aceptadas a primera vista?

El arte no es estático. El artista es un ser vinculado al pasado y al futuro, un creador, que trae consigo el espíritu del científico y la intuición del investigador. Sus intereses están en los desafíos, las inquietudes y la inmersión interminable en el cosmos, lo imponderable, lo infinito. Le interesan las rupturas y las preguntas. Y si no, no será un artista. El hosting no es parte de ti y si te encanta, estás luchando por ser aceptado. También lucha y ama su propia individualidad.

Dejando de lado las paradojas, es lo que mueve el arte, lo que lo eleva y lo transforma.

Entendiendo el motor continuo de la historia e insertándose irreparablemente en él, el artista siempre se ve impulsado a crear. Así nacen corrientes, estéticas, poéticas, movimientos estéticos. Note que no estamos hablando de un sector de la sociedad que busca lo nuevo para lo nuevo, el sabor de la novedad solo para consumirla y tirarla. Al contrario, el artista digno de esta clasificación -de un nombre tan extendido y gastado- no hace concesiones a los deseos del consumidor de arte, no produce aquello en lo que no cree.

Por eso, tenemos obras que son hitos importantes en la historia del arte y muchas más que fueron creadas como copias mal terminadas y luego descartadas. El gran momento de la pintura figurativa se produjo, sin duda, entre los siglos XVII y XVIII. La perfección alcanzada por los académicos es tal que todavía encanta a los ojos. Pero ¿qué pasa con la mente? Emociones

No es casualidad que las preocupaciones por los sentimientos y sensaciones surgieran a finales del siglo XIX.

La búsqueda de un conocimiento más profundo de la psique humana; comportamiento más libre de imposiciones sociopolíticas; el realce del interior, del núcleo, de lo que no es visible, aparente e inmediatamente reconocido: todo esto lo informan las nuevas formas de arte que surgen con el modernismo.

Es abstracto, se suprime la historia que trae la figura y se despierta el intelecto y la emoción de buscar nuevas relaciones de espacio, tiempo, color, forma.


Obra abstracta GA4 Autor: Gerard Richter Fecha: 1984 Colección: Museo de Arte Moderno – Nueva York

Decir que la pintura ha sido alterada debido al surgimiento de la fotografía es simplista.

Los pintores artesanales perdieron a sus clientes no por la fotografía, sino porque poco más tenían que decir en sus retratos, estudiados, en fórmulas repetidas.

Los impresionistas abandonaron los talleres, buscaron la luz natural, crearon una nueva forma de pintar, rompieron con la academia y, en su incansable búsqueda, cambiaron la pintura. Buscaban colocar la figura, el paisaje, el mundo en una nueva organización dictada por las impresiones que causaban. Los impresionistas valoraban los sentimientos de los protagonistas, ya fueran personas, árboles, ventanas o cualquier otra figura.

Vicente Van Gogh, Paul Klee, Paul Gauguin, Arp, Munck, Picasso, Braque, Miro y muchos más.

Cuando René Magritte, en 1927, nos dijo literalmente en su obra “esto no es una pipa” sino la representación de una pipa, plantea la cuestión de la mistificación de lo figurativo, de la representación de lo real, de la polisemia de lo obra de arte. , junto con otras preguntas propuestas por Kandinski, Chagall, entre otros.

El valor del arte influenciado o dictado por la práctica académica es innegable, pero el movimiento disruptivo, llamado Modern, ha convertido esa palabra en sinónimo de algo inapropiado y mohoso. Como el modernismo se ha impuesto total y efectivamente, desde hace más de 100 años, en el momento contemporáneo – posmoderno – el academicismo es visto como el producto de una época, un determinado momento y… período.

El arte abstracto abandona la figura conocida y reemplaza el mundo visible en la informalidad de formas, colores, líneas, texturas, planos y volúmenes. El gesto traduce la intención y su libertad también libera la expresión interior transformadora.

Las polémicas que han suscitado las corrientes abstraccionistas ya están apaciguadas y descoloridas.

La llamada arteabstrata ya no trae conmociones ni indignación, sino solo lo que ofrece: reflexión. Neusa Schilaro Scalea

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